作者：張玉梅 于園媛

編者按：

不久前，由中國美術學院劉智海教授執導的小成本戰爭片《云霄之上》上映，這部在去年的北京國際電影節上連續拿下“天壇獎”最佳影片、最佳男演員、最佳攝影三項大獎的影片，獲得了廣泛的關注。今年5月，中國美術學院正式成立電影學院，這是目前中國美術高校中第一所獨立設置的電影學院。那么，為什么要把電影作為美術學科建設的重要方向之一？美術學院的人拍電影有什么優勢和特點？“詩性美學電影”是一種什么樣的電影風格？就這些話題，光明日報記者專訪了中國美術學院院長高世名、中國美術學院電影學院院長徐小明。

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概念設計作品《回溯》

記者：中國美術學院為什么要專門成立一個電影學院？美術學院的導演拍出來的電影，會帶有與眾不同的烙印嗎？

高世名：中國美術學院電影學院，前身是影視與動畫藝術學院，今年拆分成電影學院、動畫與游戲學院。

美術與電影的隔膜，核心問題在于怎么講故事。但在中國電影史上，由繪畫出身而做導演成功的例子，也不乏其人。有代表性的是楊福東，他是中國美術學院油畫系畢業，現在是國際知名的影像藝術家。2002年，他的第一部影片《陌生天堂》在德國卡塞爾文獻展首映，影片以西湖為背景，講述一個“存在主義氣息”的故事，帶有濃郁的文藝氛圍，同時又充滿迷茫、惆悵的情緒。

中國美術學院和電影的關系，從一個電影的夢想開始，從膠片——過期的膠片開始，接著開始慢慢進入這個方向的教學。這些年，中國美院聚集了徐小明、萬瑪才旦、陳玲珍、Mary?Stephen、張獻民、杜海濱、劉智海等優秀電影人才，培養出了一大批備受業界關注的青年電影人。

徐小明：我本來是想學繪畫的，大學卻考到了電影制作系，后來覺得它比畫畫有意思，就一頭栽了進去。美院的學生與大學的電影專業學生相比，敏感性更強，讓他們做一些簡單的視覺表達或一些小的呈現，都會很“抓人”。

世界電影誕生127年的歷史中，電影從無聲到有聲，從黑白到彩色，從2D到3D，到了這個世紀，膠片幾乎消失，數字技術與數字媒介幾乎無所不在、無所不能地成為人類生活的一種方式與依賴。

電影其實更應該像詩歌，而不是簡單地像做一篇論說文一樣。數字化之后，工具變得便利，門檻變低了，膠片時代電影的那種嚴肅性和儀式性也降低了，構思和醞釀的時間迅速縮短。我們在中國美術學院做電影教學，就是要保持純粹性，不是為了迎合市場，這個電影拍完就是要給行業里的精英專家、給做電影學研究的人看。

《云霄之上》電影海報

記者：中國美術學院電影學院成立之時，提出“詩性美學電影”的愿景，那么，“詩性”指的是什么樣的電影風格？它是指畫面更好看嗎，或者說，它是另一種形式的“文藝片”？

高世名：詩性電影是我們探索的方向之一，它并不是指“詩意電影”，并不全是那種惆悵情緒的，比如《云霄之上》具有詩性，但它并不詩意，它是一個戰爭片。詩性并不是指從詩歌、文學中來的那些詩意，而恰恰是指影像自身的詩學，影像自身凝注在現實自身的時候所產生的升華感。本質上每部電影都是紀錄片，但為什么它又不是呢？就是影像的詩學在起作用。我們拍任何一個電影，都是“作假”、表演，但是演員在這里真的喝了一杯咖啡，這個事情是真實的，雖然他是演了“他喝了一杯咖啡”，但這個事情本身是真實的，在攝影機前是真實發生的，所以在這個意義上，本質上都是紀錄片，但是，之所以它能夠超越對事實的記錄，能夠構造起敘事和影像自身的魅力，是因為影像的詩學在起作用。其實，詩性電影背后是要探討影像的詩學，這個詩學就是影像自身超越表象、打動人心的內在韻味。

詩性電影某種意義上會接近“文藝片”，但其只是一方面。一想到詩性電影，圈內人都會想到費穆，他的《小城之春》的每一組鏡頭都不一樣，和文藝片也不一樣，不是說他講故事的方式不一樣，而是他講故事的味道是不同的。詩性電影更多是從電影語言來講，更加強調影像的藝術表達本身。

電影的黃金時代已經過去了半個世紀，今天來看那個時代的條件太差了，但那個時候在技藝上的深度和講究，豐富性和創造力遠超過今天。類比游戲也是如此，比如圍棋，黑子、白子、多網格，它的規則看起來那么簡單，形式那么抽象，但是，下圍棋的人當時卻可以想到兩軍鏖戰、帝國爭霸、逐鹿中原，無限豐富。今天，電子游戲越來越逼真、越來越具象，但整個游戲驅動情感的機制，就是打怪晉級、尋寶，反而變得很簡單。電影也是如此，一方面技術不斷進步、往前走，另一方面，技藝卻停滯不前，甚至不如以往。這是今天電影的困境。

徐小明：電影的核心是文本的作用，有一種是借形式來表現，借外部工具來展示所謂的真實與超真實，還有一種是看起來非常現實，但是電影會讓你看著看著從現實進入非現實，這是藝術上的追求，這個對我來講是不能放棄的。

《云霄之上》中我們沒有做任何超現實的手段，我們給你看的是完全現實的狀態、人物的處境，從而“逼看”人物最內心的部分，形成真實與非真實之間的游走。《云霄之上》的鏡頭語言、美學，在電影史上不是全新的，但在中國近三十年還是新的。每一次的創作都是一次冒險，但我們必須要做出來，因為我們感受到一些問題，這些問題不是你能解決、我能解決的，而是在現代整個人類面臨的一個集體困境，但是不能因為覺得它是困境，就把它放在一邊，只有我們直面這一步，才會不斷地涌現做這件事情的力量。

祝新作品《漫游》海報

記者：藝術常常是超前的，更多是站在當下看未來。那么，未來電影發展的方向是怎樣的？

高世名：第一個方向是詩性電影，第二個方向是尋找和創造新引擎。詩性電影是從表達的端口，新引擎是從技術的端口。

新引擎是什么呢？《黑客帝國》給我們提供了未來的想象，我認為未來一定是往混合現實的道路上走。尋找影視體驗創作的新引擎，就是在混合現實的未來場景的開發上。

新引擎的難度是什么？未來我們的生存一定是混合現實、賽博生存的狀態，那么，就需要數字科技與人機交互等感應設置的開發。我們要參與進虛幻引擎的研發，藝術家與程序員一起，開發創作出更多的新工具。科藝、科教融合是有相當難度的。

今天越來越多的電影是“數字資產+虛幻引擎”，甚至連橫店都不需要了，只要后期影棚就好。比如拍了某部電影，那么就出現了一個影城，可以做文旅，這是以前的模式，現在都是在綠幕前表演，加上動捕，后期做出浩瀚星空、宇宙沙漠，就可以直接放進去了。那后面靠美術建構出來的世界，實際上就是“數字資產”。

徐小明：高院長提到的混合現實，是一個帶有技術性的描述。近二十年來，整個電影工業體系的發展，大量新的技術被提煉、整合。比如要拍航天任務，那就要借助技術手段，電影《指環王》早在二十多年前就使用了創新技術手段來制作規模宏大的場景。

對我來講我更在意的是教學生如何形成文本、怎么去表達自己對世界的看法。電影本身是從西方引入的，我們需要借助西方的電影體系建立一套中國人的語言體系，這是跟中國的哲學傳統有關的。其一，中國人在表達情感上和西方人是完全不一樣的，雖然近二三十年來年輕人的情感表達方式發生了一些變化，但中國人普遍的情感狀態是隱忍的、婉約的、含蓄的。所以，中文電影世界里的人物，在表達上有一套我們自己的美學，我們希望建立的也是這個體系。其二，如果只是把舞臺劇用動態攝影拍下來就變成電影，我不承認。我們做電影為什么要回到電影本體？這是和我們的認識相契合的，我們的電影起源不是我們的，都是在復制和模仿別人，這也沒問題，但我們有責任在整個過程中，盡可能地再往前走一步，就算它很危險，我們都得要試試看。

動畫短片《羅生門》劇照

記者：電影是20世紀的工業，在21世紀的數字智能時代，它正進行著從制作到敘事、從工具到界面的全方位的自我迭代。電影學院將怎樣建立自身的人才培養體系，實現未來的電影創作愿景？

高世名：這條路還挺長的，我們更多指向的是電影本體語言開發的方法，所以說戰場不是院線市場，它的戰場其實是在業內，就是“燒菜給廚師吃”。科技與藝術的融合，必須要跟產業結合在一起。我們是人才培養為底色的單位，即使不能充分參與到產業體系，但是我們至少可以給產業體系提供源源不斷的人才。

徐小明：電影學院現在分為導演、攝影、美術三個專業方向，我們希望集中優勢、辦出特色。

學生在大一都是專業通識課的學習，會強調人文、社會學等內容，從經典入手。我上的課是從電影的發展講起，中間講一些有意思的故事，去建立起年輕人對自己與電影之間的一個認識。我們的老師都不是純學術研究的，都是身體力行的行動者，比如萬瑪才旦本身是導演，他講授經典賞析的課程，是“導演論導演”，給學生建立創作上的認知。

讓學生畢業之后能夠進入行業，能快速上手，能夠謀生，本來就是學校很重要的責任，但是，這個是很難的，因為恰恰也許因為你擔心學生畢業后沒有辦法融入行業，反而把他的創造力給抹殺掉了。所以我們希望保持年輕人對電影的想象力。

《光明日報》（ 2022年09月04日?11版）